LA CONSECUCIÓN DE LA ARMONÍA, LUZ Y COLOR, EL CURSO DEL NUEVO APRENDIZAJE
LA CONSECUCIÓN DE LA ARMONÍA
Siglo XVI (Cinquecento)
Bramante: asimiló las ideas de la arquitectura
clásica pero sin llegar a imitarla.
Buscaba equilibrio y armonía.
San Pietro en Montorio
Leonardo Da Vinci: exploró cadáveres, además
investigaba sobre muchos temas de la ciencia y la naturaleza. Quería mostrar
que la pintura era un arte liberal. En La última cena los rostros son de
horror, mucho verismo.
Movimientos dramáticos pero con armonía y
equilibrio. Mona Lisa su obra más famosa. Parece estar viva y cada vez que la
observas parece tener una mirada distinta. Dejaba al espectador algo por
adivinar; lo conseguía a través del sfumato, contornos borrosos y los colores
suavizados permiten fundir una sombra con otra y siempre deja algo a nuestra
imaginación.
La Mona Lisa
Miguel Ángel: también investigó el cuerpo humano.
Capilla Sixtina, tuvo que pintarla mirando hacia arriba, muchas figuras pero a
la vez muy armonioso. Era minucioso en cada detalle. La cúpula de San Pedro.
La Creación de Adan
Rafael: aprendió a manejar el sfumato de
Leonardo. Sus obras eran muy sencillas, dibujos perfectos, no requerían
explicación, sensación de equilibrio perfecto. Decoró las salas del Vaticano,
las estancias. Consiguió una composición armónica con figuras moviéndose
libremente. También fue reconocido por la singular belleza de sus figuras.
La Sagrada Familia con San Juan
LUZ Y COLOR
Siglo XVI, Italia y
Venecia
Bellini: supo convertir las figuras
tradicionales de la Virgen en seres vivos, sin desposeerlas de su carácter
sagrado.
Madonna del Prato
Tiziano: mucho manejo de los colores, igualó
en fama a Miguel Ángel. Hizo de la luz, el aire y los colores las razones para
unificar la escena. Fama por sus retratos, muy vivos.
Venus de Urbino (1538)
Correggio: explotó todavía más que Tiziano el
descubrimiento de la luz y el color. Pintó techos y cúpulas de iglesias,
creando la sensación de abrirse al techo gracias al manejo de la luz.
Martyrdom of Four Saints
EL CURSO DEL NUEVO APRENDIZAJE
Siglo XVI, Alemania y
Países Bajos
Durero: grabados. Se esforzó en conseguir
una imitación de la realidad para ofrecer una visión verista de los temas
sagrados que tuvo que representar en cuadros, estampas y grabados. Transmitía
el arte gótico en sus grabados pero volvía a la imitación de la naturaleza.
Quería proporcionar un sermón gráfico, proclamando las verdades tal como las
enseñaba la Iglesia.
El Caballero, la muerte y el demonio
Grünewald: rechazó las normas del arte tal como
se desarrolló a partir del Renacimiento, volviendo a los pintores medievales y
primitivos (alteraban el tamaño de una figura según su importancia en el
cuadro).
Resurrection Isenhe
Mabuse: quería demostrar su conocimiento de las
aportaciones italianas, el dominio de la perspectiva, su familiaridad con la
arquitectura clásica y su dominio de luces y sombras.
Maria con el Niño
El Bosco: demostró que los métodos de la
pintura, que habían evolucionado en el sentido de representar la realidad de la
manera más verosímil, podían volverse del revés y ofrecernos un reflejo de las
cosas que nadie ha visto jamás. Representaciones de infiernos.
Bibliografía:
Ernst h. Gombrich, LA HISTORIA DEL ARTE, España 2007, editorial phaidon press limited.
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